Corps de travail. Votre Prochaine Étape?

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Il y a, ou peut y avoir, de nombreuses étapes dans le voyage de l’artisanat (et de la vision!). Le moment où nous cessons de prêter autant d’attention à la quantité de lumière dans une scène et commençons à remarquer son QG est l’un de ces progrès significatifs. Une autre chose pour moi a été lorsque j’ai changé ma façon de penser à mes objectifs et que j’ai commencé à choisir mes focales en fonction du comportement des optiques—de ce à quoi elles donnaient l’apparence et la sensation de la scène—et pas seulement de la quantité de choses qu’elles me permettaient de glisser dans le cadre.

Ces progrès ont eu lieu il y a longtemps pour moi, mais d’autres ont mis plus de temps à apprendre—le passage de la réflexion sur la photographie de choses à la photographie d’idées, par exemple. C’était un gros pour moi. Il en a été de même pour le passage d’une focalisation sur des images uniques à des corpus de travaux, bien que ce ne soit pas tant une épiphanie qu’un long et lent réveil qui a commencé lorsque j’ai réalisé que tous les photographes que j’admirais vraiment tournaient de plus longues séries d’images: des corpus de travaux qui leur permettaient d’approfondir un sujet, un thème ou une idée qu’un seul coup de chance ici et là.

Il y a, ou peut y avoir, de nombreuses étapes dans le voyage de l’artisanat (et de la vision!). Le moment où nous cessons de prêter autant d’attention à la quantité de lumière dans une scène et commençons à remarquer son QG est l’un de ces progrès significatifs. Une autre chose pour moi a été lorsque j’ai changé ma façon de penser à mes objectifs et que j’ai commencé à choisir mes focales en fonction du comportement des optiques—de ce à quoi elles donnaient l’apparence et la sensation de la scène—et pas seulement de la quantité de choses qu’elles me permettaient de glisser dans le cadre.

Ces progrès ont eu lieu il y a longtemps pour moi, mais d’autres ont mis plus de temps à apprendre—le passage de la réflexion sur la photographie de choses à la photographie d’idées, par exemple. C’était un gros pour moi. Il en a été de même pour le passage d’une focalisation sur des images uniques à des corpus de travaux, bien que ce ne soit pas tant une épiphanie qu’un long et lent réveil qui a commencé lorsque j’ai réalisé que tous les photographes que j’admirais vraiment tournaient de plus longues séries d’images: des corpus de travaux qui leur permettaient d’approfondir un sujet, un thème ou une idée qu’un seul coup de chance ici et là.

C’est un endroit idéal pour séjourner au cœur de la ville.

Si vous étiez sur un atelier avec moi, peut-être à Venise ou en Inde, c’est ce sur quoi nous travaillerions. Les corps de travail nous poussent plus fort en tant que photographes. Ils exigent que nous trouvions une ligne directrice dans notre travail. Ils nous obligent à faire des choix sur ce que nous photographions et comment, d’autant plus que nous travaillons pour créer ces collections d’images d’une manière qui leur permet de travailler ensemble.

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9 Images d’une courte série explorant la lumière et les couleurs—principalement après la tombée de la nuit—de Venise, en Italie.

Choisissez un thème

Le premier jour de notre hypothétique atelier ensemble, je vous donnerais les devoirs simples qui rempliraient la semaine à venir. Partez en randonnée avec votre appareil photo seul et décidez de ce que vous voulez explorer photographiquement. En d’autres termes, allez trouver un thème. Ce pourrait être la vie dans un quartier spécifique. Ce pourrait être des expressions de foi. Certains de mes étudiants ont choisi des thèmes qui incluent la célébration, la décadence urbaine, la nourriture, les artisans et le tourisme. L’un a fait des autoportraits à Rome. Un autre a photographié des gens prenant des selfies. L’idée est de trouver un crochet sur lequel accrocher votre exploration photographique pendant une semaine.

Choisissez Vos Contraintes

Maintenant, choisissez quelques contraintes. En d’autres termes, dans quelles limites allez-vous travailler pour donner aux images résultantes une certaine cohésion afin que lorsqu’elles sont présentées ensemble comme une série de 12, elles appartiennent clairement les unes aux autres? Les 12 images auront-elles un certain rapport hauteur / largeur ou une certaine orientation d’image? S’agira-t-il d’une série en noir et blanc ou en couleur? Quelle palette de couleurs? Sera-t-il doux et silencieux ou lumineux et vivant? Allez-vous vous limiter à un objectif, un type de lumière ou un moment de la journée? Pour faire ces choix, vous vous mettrez volontiers au défi et posséderez certaines de vos préférences et goûts particuliers. Tout le monde ne trouve pas cela facile. Et pourtant….

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9 cadres d’un corpus d’œuvres réalisées sur le Gange à Varanasi, en Inde.

À la fin de notre semaine ensemble (et plusieurs conversations sur vos photos autour d’un café ou d’un vin), vous auriez réduit vos nombreuses images à 12 et y auriez trouvé une séquence qui vous semble logique. Le dernier soir, nous nous asseyions tous ensemble pour montrer ces œuvres et nous émerveillions de ce que les autres avaient vu que nous avions complètement manqué—une vision si différente de la nôtre d’un endroit que nous avions autrement partagé. Et nous verrions tous dans le travail des autres la voix incroyable de cette personne.

C’est l’un de mes points forts en tant qu’enseignant: voir les photographes s’éveiller à leur propre voix alors qu’ils ont pris des décisions plus serrées et se sont forcés à travailler en eux, à ne faire que ce qui est le plus important pour eux, à être créatifs à leur manière dans un ensemble de contraintes auto-imposées et de goûts personnels.

C’est un thème très simple et facile à utiliser. Ça a l’air facile, non?

Cette simple mission a changé ma façon de photographier. Il a encouragé une plus grande créativité, la prise de décision, la profondeur et la discipline. Cela m’a forcé à voir mes modifications différemment. Penser à des séquences. Choisir des lignes transversales pour mon travail et rechercher les images qui pourraient le mieux se connecter à ces thèmes. Cela a fait de moi un photographe plus réfléchi au fil des ans, un photographe qui se demande “qu’est-ce que j’essaie d’accomplir ici? »tout en faisant le genre de choix qui aident à répondre à cela plutôt que de tirer à l’aveugle ou de manière opportuniste. Chercher et pas seulement accepter ce qui vient (bien que je le fasse aussi). Et au fur et à mesure que j’ai poursuivi cela, mes projets sont passés de 12 images à 24, à 48, et plus encore. Le travail d’une année s’est ajouté à un autre, puis à nouveau à un autre, et le travail a trouvé de nouveaux rythmes et le détour occasionnel inattendu mais beau.

Une seule image ne peut faire que tant de choses-ne peut que dire tellement. Cela donne moins d’occasions de nuancer, de raconter une histoire plus grande. Je pense qu’une seule image convaincante peut trop facilement nous convaincre que nous sommes plus avancés dans notre métier que nous ne le sommes. Une image est un coup de chance (et oui, en fin de compte, ils sont tout chanceux, et nous aussi de faire ce que nous faisons), mais un corpus de travail est une chose plus difficile à atteindre. Et pour moi, c’est beaucoup plus gratifiant.

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9 images de mon travail sous-marin en noir et blanc en cours.
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Un échantillon des images du tout début d’une série de Churchill, au Manitoba.

Je me demande si c’est la prochaine étape pour vous? Avez-vous travaillé de cette façon et remarqué les avantages? J’aimerais avoir de vos nouvelles dans les commentaires? Sinon, que faudrait-il pour en faire votre prochain pas en avant? Si vous êtes comme beaucoup de mes étudiants pour la première fois, la réaction est: « Je ne pense pas que je puisse faire ça! »Mais tu peux. Je n’ai jamais vu un étudiant terminer la semaine sans le faire et ressentir l’exaltation de voir son travail lui refléter à la fois une vision et une voix dont il ne savait même pas qu’elles étaient les siennes.

Il faudra un certain temps avant que je refasse des ateliers (mais lisez ci-dessous si vous souhaitez apprendre de moi en personne), mais vous n’avez pas besoin de moi pour en faire une nouvelle façon de travailler votre métier et d’approfondir: douze images sur un thème, créé dans certaines contraintes choisies intentionnellement. Le défi est ce qui motive la croissance dans n’importe quel métier, compétence ou support. Et comme les œuvres que je vous encourage à réaliser, j’espère que vous trouverez quelque chose de bien plus que la simple somme de ses parties dans ce défi.

Pour l’Amour de la Photographie,
David

Vision côtière 2022.
Passez du temps avec moi à l’Île-du-Prince-Édouard en juillet.

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Je ne ferai pas d’ateliers de voyages internationaux avant au moins 2023, bien que je n’ai rien de prévu à ce stade. Mais si vous cherchez une chance d’apprendre de moi (et je vais enseigner sur les corpus de travail, entre autres idées), je serai à l’Île-du-Prince-Édouard pour deux occasions consécutives en juillet de cette année.

Cette conférence de 3 jours (je ne sais pas comment l’appeler autrement) est comme un coup de foudre photographique dans une belle grange patrimoniale dans l’une des plus belles provinces du Canada. Mon partenaire dans le crime, Dave Brosha, et moi visons à inspirer, instruire et allumer de nouvelles étincelles dans votre vie photographique et créative. L’événement s’appelle Vision côtière, et il reste encore quelques espaces dans ce petit rassemblement intime. Si vous cherchiez une chance de vous connecter avec moi, de partager des repas, des histoires et des rires, et de donner à votre vision un bon vernis (ou peut-être un bon départ), ce sera un moment merveilleux ensemble. J’ai hâte de te voir là-bas!

Vous pouvez obtenir plus de détails sur le 25-27 juillet 2022 Vision côtière événements ici:
https://www.tickettailor.com/events/davebroshaphotographyltd/242831

Vous pouvez obtenir plus de détails sur le 29-31 juillet 2022 Vision côtière événements ici: